Publication : Le Comité professionnel des galeries d’art, 70 ans d’histoire

Plusieurs membres du GREMA ont travaillé sur les archives du Comité professionnel des galeries d’art, fondé à Paris en 1947 par Louis Carré et Gildo Caputo. Cet organisme, qui existe toujours et fête aujourd’hui ses soixante-dix ans, a participé de près ou de loin à l’histoire du marché de l’art en France, en intervenant sur des questions aussi essentielles que le droit, l’impôt, la Sécurité sociale, la construction européenne, la déontologie…

Nous sommes très heureux.ses de vous annoncer la parution de l’ouvrage issu de ces recherches collectives : Julie Verlaine (dir.), Le Comité professionnel des galeries d’art, 70 ans d’histoire (1947-2017), Paris, Hazan, 2017, 176 p. (avec les contributions de Clara Bouveresse, Tatiana Debroux, Alexis Fournol, Alain Marciano, Jérémie Molho, Nathalie Moureau et Marion Vidal)

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L’ouvrage se trouve ou se commande dans toutes les librairies.

Programme du séminaire, 2016-2017

23 novembre : Tatiana Debroux (Université libre de Bruxelles) : « Les spatialités du marché de l’art »

→ Si les acteurs et les recompositions du marché de l’art ont été au cœur de nombreux travaux depuis les années 1960, leur inscription dans l’espace a fait l’objet d’une attention bien plus limitée. Pourtant, des artistes aux vendeurs, des collectionneurs aux musées, il existe des logiques d’organisation et des dynamiques spatiales tantôt singulières, tantôt attendues, qui répondent à des enjeux économiques et symboliques intéressants.

La géographie du marché de l’art, fortement ancrée dans le cadre de la ville, s’inscrit de plus dans les transformations urbanistiques, économiques et sociales qui s’y produisent et qui peuvent l’influencer ou être influencées à leur tour par les lieux de l’art. La présentation s’appuiera sur des travaux empiriques qui soulèvent des questions originales sur les différentes spatialités étudiées. Elle sera également illustrée par les résultats de travaux personnels portant sur les marchés bruxellois et parisiens, du 19e siècle à nos jours.

 

14 décembre : Léa Saint-Raymond (Université Paris Ouest Nanterre) « L’épreuve des enchères : le lancement de nouveaux marchés artistiques à Paris, entre les années 1840 et 1939 »

→ À partir des années 1840, l’hôtel des ventes à Paris a été considéré comme une plate-forme innovante, un tremplin commercial pour des marchés artistiques émergents. Ainsi les artistes vivants ont-ils commencé à soumettre directement leurs œuvres à l’épreuve des enchères. Cette présentation, bilan d’étape de mes recherches doctorales, mettra en évidence la chronologie de ces nouveaux marchés. Comment, par exemple, Narcisse Diaz de la Peña ou Albert-Ernest Carrier-Belleuse ont-ils réussi à tirer le meilleur profit des ventes publiques, alors que le marché du bonsaï, après avoir été florissant à l’aube du XXe siècle, n’a-t-il pas pu prendre racine ? L’analyse systématique des procès-verbaux permet d’identifier les déterminants socio-économiques à l’œuvre dans la valorisation, plus ou moins fructueuse, de ces marchés émergents en salle des ventes.

11 janvier : Thibault Bissirier (École du Louvre) : « Une nouvelle génération de collectionneurs ? Motivations et comportements d’acquisition des jeunes collectionneurs d’art contemporain en France »

→ Engagées au cours de la décennie 1970-1980 avant de se radicaliser après la crise des années 1990, les nombreuses transformations qu’a connu le monde de l’art contemporain et son marché ont participé à redessiner l’image et le rôle des collectionneurs, qui semblent désormais pouvoir agir en profondeur sur un écosystème mondialisé, hyper-médiatisé, soumis à de fortes stratégies de spéculation et en voie de numérisation. Nous présenterons les premiers résultats de notre étude, qui se concentre sur les jeunes collectionneurs d’art contemporain en France, distinguant les motivations qui les animent et leurs comportements d’acquisition afin de déceler les continuités et les différences avec la génération précédente. S’attachant par ailleurs à la manière dont ils ajustent leur discours, il s’agit de comprendre d’une part comment se construit cette identité et d’autre part de trouver les indices des changements opérés ou à venir dans la pratique de la collection d’art contemporain.

 8 février : Johannes Nathan (Nathan Fine Art / TU Berlin) : « The Art Market Dictionary – Reflections on the Mapping of a Complex Field »

→ The Art Market Dictionary (AMD) is the first encompassing reference work on the art market and its historical development. It will provide key information on central agents such as auction houses, commercial galleries, art dealers, and advisers. Each entry will give brief business histories or biographies followed by notes on areas of specialization, artists represented, principal exhibitions and publications as well as significant transactions. The AMD will also list resources with additional information including archives, museums, libraries, databases, and scholarly literature. Where available, it will include relevant illustrations. The project’s first phase covers Europe and North America in the twentieth and twenty-first centuries. Developed in collaboration with a highly qualified international team of Section Editors, the AMD will feature contributions from specialists worldwide. De Gruyter, the AMD’s publisher, is a Berlin-based academic publisher. Among the databases published by de Gruyter is the Allgemeines Künstlerlexikon (AKL) the world’s most encompassing database on artists.

 

8 mars : Denise Vernerey-Laplace (EHESS) : « Denise René et les combats de l’abstraction. Quand une galerie promeut une esthétique (1944-2012) »

→ En 1944, Denise René ouvre une galerie dans son appartement-boutique, rue La Boétie. Jeune femme engagée dans les débats et combats politiques et intellectuels, a-t-elle alors préscience qu’elle mènera, cinquante années durant, un combat sans défaillance ni concession en faveur de l’abstraction, puis du cinétisme ? Que l’Opération Klar Form qu’elle organisera à Liège en 1951, assènera au fil de ses stations dans les capitales européennes, l’abstraction au marché de l’art? Que l’exposition Le Mouvement scellera définitivement, en 1955, l’inscription du temps au cœur de l’œuvre d’art, utopie einsteinienne des avant-gardes au début du siècle? Qu’elle entraînera l’esthétique abstraite de Vasarely, Calder, Tinguely, Agam, Bury, Soto, Schoeffer puis les Allemands, les Vénézuéliens, les Argentins, les Espagnols sur les voies du cinétisme ?

Denise René s’est éteinte à 99 ans, le 9 juillet 2013, active jusqu’au dernier jour. La tête haute, le verbe décidé, elle a fait claquer sur les pignons de ses galeries de La Boétie, du Marais, de Saint-Germain la bannière d’une esthétique qu’elle a choisie et imposée. Élevant le statut de galeriste au-delà de son statut de marchand, de collectionneur, elle a donné ses lettres de noblesse à son rôle prescriptif.

 

19 avril : Jérémie Molho (Institut Universitaire Européen, Florence) : « Globalisation du marché de l’art et émergence des villes hubs : Regards croisés sur Istanbul, Singapour et Hong Kong »

→ Depuis les années 2000, la globalisation du marché de l’art s’est traduite non seulement par une forte augmentation des montants des ventes aux enchères, mais aussi par l’affirmation de nouvelles régions : En Amérique Latine, au Moyen-Orient ou encore en Asie, des maisons de ventes aux enchères, des galeries, des foires, ont été créées pour tenter de promouvoir l’art produit dans ces territoires, et afin de capter la demande des nouvelles classes moyennes et supérieures. Certaines villes se concurrencent pour se constituer comme les centres de ces espaces régionaux émergents. Dans leur volonté de s’affirmer comme villes globales, elles effectuent d’importants investissements culturels, et s’efforcent d’attirer les acteurs clé du marché de l’art global. Fondée sur des enquêtes de terrains menées à Istanbul, Singapour et Hong Kong entre 2011 et 2016, cette présentation s’intéressera d’une part aux acteurs portant ces stratégies et mettra en exergue leurs intérêts, leurs discours et leurs interactions. D’autre part, elle s’interrogera sur les effets de ces stratégies de ville-hub, tant à l’échelle locale, avec l’émergence de quartiers artistiques, qu’à l’échelle régionale, à travers le développement de collaborations et de discours tentant de décentrer le monde de l’art international. Dans un premier temps, on reviendra sur l’ambition d’Istanbul de se positionner comme un centre pour le marché de l’art du Moyen-Orient. Dans un second temps, on analysera la concurrence entre Singapour et Hong Kong pour se constituer comme des centres du marché de l’art de l’Asie de l’Est.

17 mai : Pour une histoire du Comité Professionnel des Galeries d’art (1947-2017) : questions, méthodes, résultats.

→ Fin 2017, le Comité professionnel des Galeries d’art (CPGA) aura 70 ans. Cette structure  professionnelle créée en 1947 par un groupe de marchands parisiens (Louis Carré, Gildo Caputo) a eu d’emblée vocation à être une instance de lobbying face aux pouvoirs publics et aux élus ; un espace de réflexion collective et de sociabilité pour les marchands parisiens ; et un lieu d’émergence de propositions de réformes fiscales, juridiques et économiques du marché de l’art français. L’histoire du CPGA reflète celle du marché de l’art et présente une entrée originale pour l’analyse d’enjeux aussi majeurs que la réglementation des échanges, la définition des œuvres  d’art, les relations contractuelles avec les artistes et les collectionneurs. Notre étude collective s’inscrit dans une triple perspective : l’histoire des mobilisations professionnelles (syndicats, luttes sociales), l’histoire du droit et de l’impôt (taxations, libéralisation, déréglementation), et l’histoire des circulations économiques (flux d’œuvres d’art, flux financiers). Nous en présenterons la méthode et les résultats.

 

Contact : julie.verlaine(a)univ-paris1.fr

Séminaire ouvert à tout public, dans la limite des places disponibles.

Horaire : 18h-20h.

Lieu : Salle 409 (4e étage), Centre Malher de l’Université Paris I Panthéon Sorbonne, 9 rue Malher (M° St Paul).

 

Programme du séminaire, 2014-2015

Un vendredi par mois de 17h à 19h au Centre Malher de l’Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne (M° Saint-Paul, 9 rue Malher, salle 106). 

 

  • 14 novembre : « Le collectionneur dans tous ses états », Nathalie Moureau, MCF en sciences économiques à l’Université Paul Valery, chercheur au LAMETA, Université de Montpellier.

 

Atypique, la figure du collectionneur a attiré l’intérêt de chercheurs relevant de plusieurs disciplines. Si peu de travaux ont, en économie, traité de cette question, les écrits de psychologues, ethnologues mais aussi d’historiens d’art et de gestionnaires ont été plus nombreux. Dans ce séminaire nous proposons de développer une approche proprement économique. Nous distinguerons au sein de la pratique de collection tant une activité de « consommation » qu’une activité plus « productive », montrant comment le collectionneur intervient non seulement dans la détermination de la valeur économique mais également artistique. Il sera également montré à travers cette distinction consommation/production comment les profils de collectionneurs peuvent se définir le long d’un continuum allant du collectionneur « égoïste accumulateur » jusqu’au « collectionneur altruiste » pour lequel la collection n’est que la conséquence d’un intérêt pour le bien public.

 

  • 12 décembre : « Marchez sur Cologne: Internationalisation du marché et résistance des artistes au tournant des années 1970 », Sophie Cras, docteure en Histoire de l’art, Assistante à la direction scientifique du Centre Allemand d’Histoire de l’art à Paris.

Autour de 1970, la hausse des prix et l’expansion du marché de l’art – en particulier dans la zone s’étendant des Pays Bas au Nord de l’Italie en passant par l’Allemagne de l’Ouest et la Suisse – rencontrent un mécontentement croissant auprès des artistes européens. La Foire de Cologne est l’une des cibles les plus importantes de ces protestations. Elle incarne alors, en effet, les nouvelles inflexions stratégiques du marché de l’art, marquées par l’internationalisation, la valorisation des multiples et éditions, et un fort caractère événementiel. La communication se propose de retracer les réactions et résistances des artistes face à ces évolutions, qu’elles prennent la forme de manifestations politiques – comme « L’Appel à l’action » mené par Joseph Beuys, Erwin Heerich et Klaus Staeck – ou d’œuvres d’art – avec l’exemple de Marcel Broodthaers.

 

  • 16 janvier : « Maurice Dufrène, un représentant majeur mais méconnu de l’Art déco », Jérémie Cerman, MCF en histoire de l’art à l’Université Paris-Sorbonne, Centre André Chastel.

Débutant sa carrière en pleine période de l’Art nouveau, Maurice Dufrène (1876-1955) devient plus tard l’un des ensembliers majeurs de l’Art déco. Connu notamment pour sa position à la tête des ateliers d’arts appliqués La Maîtrise des Galeries Lafayette, il mène une carrière lui valant de nombreux titres et distinctions. Étonnamment, son œuvre n’a pas vraiment bénéficié d’approfondissement jusqu’ici. À travers un aperçu de sa carrière, notre intervention entend rappeler la place prépondérante occupée par cet artiste dans le milieu des arts décoratifs français durant plus de quarante ans, tout en interrogeant les raisons de son relatif oubli, parmi lesquelles figure peut-être la faible valorisation de son œuvre sur le marché de l’art.

 

  • 13 février : « Approches des marchés de l’art contemporain en dehors du mainstream », Annabelle Boissier, docteure en anthropologie, Chercheuse associée à l’Université Aix Marseille/CNRS, LAMES UMR 7305.

 

L’objet de cette présentation sera de discuter la manière dont l’émergence de monde de l’art contemporain en Thaïlande (années 1990) et en Tunisie (années 2000) a conduit les acteurs des marchés de l’art de ces deux pays à modifier leurs procès de production. De quelles manières les galeristes s’adaptent-t-ils aux nouveaux modes d’évaluation et de monstration des œuvres proposés par les acteurs de l’art contemporain et parviennent-ils ou non à convaincre leur clientèle ? Il s’agira par ailleurs de discuter les différences et les similarités induites par ces situations. Peut-on y appliquer les méthodologies de recherche mises en place par Raymonde Moulin notamment ? Ces terrains, extérieurs au mainstream de l’art contemporain, permettent-ils de proposer des analyses innovantes des marchés singuliers ?

 

  • 13 mars : « Le rôle des grands magasins japonais sur le marché de l’art: entre marketing et mission culturelle », Cléa PATIN, MCF au Département des études japonaises, Faculté des langues de l’Université Jean Moulin (Lyon 3).

 

Dès l’origine, les grands magasins, en France comme au Japon, ont innové dans le domaine de la distribution de détail, non seulement en présentant des prix attractifs, mais en distillant une aura de distinction, en osmose avec les aspirations de la classe bourgeoise ascendante. Or, dans le domaine artistique, les grands magasins japonais ont rapidement atteint une force de frappe inégalée. Comment s’est donc déployée leur action, dans ce domaine pourtant réputé économiquement peu rentable ? Soucieux de se peaufiner une image de prestige auprès de la clientèle, ils ont disposé dès le début du XXe siècle d’atouts précieux pour acquérir des œuvres auprès des artistes, puis les diffuser sur l’ensemble du territoire. Après la guerre, concurrence oblige, ils ont commencé à s’associer aux grands organes de presse pour organiser des expositions « blockbusters ». Aujourd’hui encore, ils continuent de s’investir dans  la vente de tableaux, notamment dans le domaine de la peinture figurative traditionnelle, n’hésitant pas à empiéter sur le terrain des galeristes. À travers un travail de terrain (enquête, questionnaire, observation participante), nous tâcherons d’offrir un panorama historique et sociologique de leur action et de leurs motivations dans le domaine de l’art.

 

  • 10 avril : « La peinture italienne de Giotto à Alberti : quel marché pour quel art ? », Etienne Anheim,  MCF en histoire médiévale à l’Université de Versailles/Saint-Quentin-en-Yvelines

 

À partir de la rupture de la fin du XIIIe siècle, symbolisée par la figure de Giotto mais qui la dépasse largement, la « nouvelle peinture », caractérisée à la fois par de nouveaux procédés techniques, de nouveaux investissements politiques et spirituels et un nouveau rapport à la représentation, devient le creuset de la modernité iconographique. A ce titre, on a souvent voulu voir dans l’espace italien, en particulier toscan, de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance le lieu d’invention du marché de l’art. On peut cependant discuter l’idée de faire remonter cette dernière notion à une période aussi ancienne, et explorer au contraire l’idée que dans l’Italie de la Renaissance, on ne connaît pas de « marché de l’art ». Faute de « marché » et d’« art » au sens moderne, sans doute. Mais aussi et surtout parce que les pratiques marchandes qui investissent l’art, on essaiera de le montrer, ne prennent pas les oeuvres pour objet, mais d’abord les artistes et leur travail, définissant ainsi un rapport à la valeur économique de l’art différent de celui impliqué par le terme de « marché de l’art » dans son acception traditionnelle.

 

  • 15 mai : « Une approche géographique du marché de l’art contemporain en Inde », Christine Ithurbide, Laboratoire CESSMA, Université Paris Diderot

 

Cette présentation propose d’interroger la contribution de l’approche géographique dans la compréhension du marché de l’art contemporain indien, son développement et ses enjeux dans les dynamiques urbaines, sociales et économiques des métropoles. Après avoir présenté le développement des principales structures et acteurs de ce marché en plein essor depuis les années 2000 à l’échelle nationale, il s’agira d’analyser à l’échelle de Bombay les processus d’adaptation et de transformation des territoires de l’art locaux face à la mondialisation de l’art et de comprendre sur quelle organisation locale, souvent informelle, repose ce marché.

 

  • 12 juin : « Jean Leppien et les galeries d’art abstrait, à Paris après 1945. Le marché de l’art, agent de la « reterritorialisation » des créations exilées? », Denise Vernerey-Laplace, docteure en Histoire et Civilisations, Centre Georg SIMMEL, EHESS/CNRS.

 

En 1945, Jean Leppien, un « Ancien du Bauhaus » réfugié à Paris depuis 1933,  tisse un réseau artistique et marchand au gré d’une fréquentation assidue des galeries, des critiques et des artistes influents qu’il y rencontre. Cette étude de cas propose l’analyse du marché de l’art comme instance de « reterritorialisation » de la création exilée, au sens où l’entendent Deleuze et Derrida.

 

Présentation du carnet du GREMA

Ce carnet est consacré aux études sur marché de l’art, entendu au sens large comme l’ensemble des structures, des acteurs et des mécanismes qui interviennent dans la commercialisation de l’art. Ces dernières années, plusieurs thèses de doctorat soutenues dans différentes universités et disciplines témoignent d’un regain de dynamisme de la recherche autour de cet objet qui intéresse l’histoire et l’histoire de l’art, l’économie et les sciences de gestion, la géographie et la sociologie, l’esthétique et le droit. Il est l’un des espaces d’échange et de collaboration du groupe de recherche pluridisciplinaire sur le marché de l’art (GREMA) qui se met en place au sein du Centre d’histoire sociale du XXe siècle (Université Paris 1 / CNRS). Ce groupe de recherche a d’emblée une vocation pluridisciplinaire et accueille des chercheurs issus des sciences humaines et sociales (sociologie, histoire, géographie et histoire de l’art), mais aussi des sciences économiques et juridiques. Il veut offrir à ces chercheurs un espace de discussion et de collaboration, en mêlant présentation de recherches en cours, état des lieux des sources et des méthodologies, et construction de projets collectifs visant à combler les lacunes de nos connaissances scientifiques dans le domaine.